La danza cattura la fragile e fugace intensità della vita: siamo orgogliosi del momento

La danza è un’arte bellissima e una professione crudele.

Se questa professione non coincide pienamente con la descrizione della vita del filosofo Thomas Hobbes come “odiosa, brutale e breve”, allora la professione è almeno breve, grazie al degrado fisico finale del corpo umano.

Rendendosi conto di questo fatto, la 68enne Peggy Baker ha deciso di sciogliere la sua compagnia di ballo e di fissare una data per la sua ultima esibizione nel settembre del prossimo anno, ha riferito il mio collega Michael Crabbe due settimane fa.

La tragedia, se non fosse una parola molto forte, per una ballerina e coreografa come Baker, è che quando scompare dal palco, le sue opere rischiano di scomparire.

Ricordi Robert Desrossers, Danny Grossman e Patricia Beatty? Da anni recensisco il loro lavoro sulle pagine di The Star. Contribuivano annualmente alla scena dance di Toronto. Oggi sono ricordi e le danze che hanno progettato, ammesso che esistano, di solito lo fanno in pochi film d’archivio.

Per la maggior parte della sua carriera, la pioniera americana della danza moderna Martha Graham si è rifiutata di filmare il suo lavoro (in un’intervista nel suo studio una volta le ho definite “creazioni”, solo per rispondere che “solo Dio crea. Io colleziono”. ).

“Cosa vuoi, Martha?” I suoi compagni di classe frustrati chiedevano a volte, temendo che i suoi balli, come a volte li chiamava, scomparissero. Secondo quanto riferito, ha semplicemente risposto, “The Legend”.

Sebbene la sua risposta possa essere interpretata come vanità, mito, liberata dall’onere della prova, riflette anche una comprensione della natura effimera della danza.

Il direttore dell’orchestra rumena, Sergio Celebidas, si rifiutava di registrare, sostenendo che la musica è presente solo al momento della sua esecuzione.

Qualcosa di simile si può dire della danza, soprattutto perché non è stato ancora messo in atto un sistema di notazione della danza pienamente soddisfacente.

Decenni fa, quando l’illustre coreografo Anthony Tudor era un insegnante ospite alla York University, abbiamo parlato di una recente esecuzione di una delle sue esibizioni di balletto, che è stata ricostruita dalla notazione. Tudor disse tristemente: “Hanno fatto i passi così bene, il balletto è tutto sbagliato”.

Alla fine Martha Graham ha accettato di filmare il suo lavoro. Puoi anche guardare un film della sua danza nella classica “Primavera degli Appalachi”. Ma questi film sono definitivi? Dopotutto, sono registrazioni di una singola esibizione di un certo gruppo di ballerini.

Quando ero il presidente fondatore della Society of Dance Critics, ho presieduto un incontro annuale a New York durante il quale abbiamo presentato una giuria di tre generazioni di ballerini del George Balanchine Ballet di New York City.

Hanno parlato dello stesso balletto Balanchine che hanno eseguito tutti e lo ricordano in modo diverso. perché? Perché era diverso. Dai coreografi, Balanchine ha continuato a cambiare le cose, in parte per ripensamenti, in parte per accogliere i punti di forza dei singoli ballerini.

Ora riconosciamo come una caratteristica standard del balletto “Il lago dei cigni” che è la serie a 32 voci ballata da Odile, il cigno nero. Questa sequenza specifica esiste in gran parte perché era appannaggio della ballerina italiana Perina Legnani, che ha originato il ruolo a San Pietroburgo e si è rivelata un’efficace dimostrazione dell’ingegnosità a cui le versioni successive di “Il lago dei cigni” lo tenevano abituato.

I compositori scrivono musica mettendo la penna su carta (o le dita su un computer). Durante il loro processo creativo, i coreografi lavorano con corpi reali. Il loro lavoro è un’impresa molto più collaborativa e quegli organismi partecipano all’atto di creare (o riunire).

Il coreografo inglese Frederick Ashton diceva che ha sempre iniziato con la musica, ma con molti coreografi, specialmente quelli che indossano danza moderna, l’ispirazione inizia spesso con il corpo. Alcuni coreografi invitano persino i ballerini a improvvisare e poi a scegliere tra ciò che viene offerto per realizzare i loro pezzi.

E quei corpi stanno invecchiando. Un’altra tragedia della danza è che quando i ballerini raggiungono le loro altezze interpretative, la macchina con cui lavorano ha già iniziato a deteriorarsi.

Consapevole di questo fatto e riluttante a rinunciare alle abilità accumulate dei ballerini senior, il Dutch National Ballet ha istituito una seconda compagnia per ballerini più anziani, incaricando i coreografi di produrre opere che corrispondano alle loro attuali capacità.

Tuttavia, le opere stesse erano ancora soggette a scomparire quando i ballerini smisero di esibirsi. Perché, come ha suggerito Anthony Tudor, c’è molto di più nella danza di una serie di passi. Le sue opere sono spesso chiamate balletti psicologici a causa dei modi sottili in cui i ballerini sono chiamati a esprimere sentimenti interiori.

Quando il Canadian National Ballet si trasferì dal Royal Alexandra Theatre nelle vaste distese di quello che allora era chiamato O’Keeffe Center, interruppe la danza Tudor. La relazione intima di cui il pubblico aveva bisogno per “leggere” quei sentimenti non era disponibile.

Altre prove della fragilità della danza? Sì, ecco perché i ballerini e la folla brillano allo stesso modo nell’intensità del momento. È tutto quello che abbiamo.